End

Quando gli Explosions in the Sky di punto in bianco hanno annunciato l’uscita di un nuovo album di inediti, alla sorpresa si è presto associata una leggera sensazione di smarrimento tra gli appassionati. La scelta del titolo End per il disco numero sette della loro discografia ha destato legittimi e sacrosanti timori: sembrava preludere ad una sorta di addio, un lascito definitivo da parte di una delle band più influenti e seminali del panorama post-rock: i texani in due decenni di carriera hanno fatto scuola, ispirando numerose band emergenti e contribuendo insieme a Sigur Rós, Mogwai e God is an Astronaut, per citarne alcuni, a definire i canoni del post-rock per come lo conosciamo oggi. Vere e proprie istituzioni per ciò che concerne la musica strumentale e tutta la gamma di emozioni suscitate manipolando il suono, i Nostri sono noti anche per le loro prolifiche composizioni di colonne sonore per film, documentari e serie tv, ma questo End è il loro primo album completo dalla pubblicazione di The Wilderness nel 2016. E per fortuna in questo caso il titolo non era da intendersi come album conclusivo; sul significato, gli stessi membri della band hanno dichiarato che il concetto di “fine” ha profondamente influenzato la creazione delle composizioni di questo lavoro. Fine di una relazione, di un’amicizia, persino della vita stessa; non è importante di quale fine si parli nello specifico, quel che importa è la natura ambivalente della fine come concetto, che inevitabilmente apre la porta a nuovi inizi, spesso neanche lontanamente paventati quando ci si aggrappa (in modo assolutamente umano) a qualcosa che ha naturalmente concluso il suo tempo e non la si vuole lasciare andare. Questa ambiguità concettuale si riflette chiaramente nella struttura dei brani, che sono arricchiti da una profusione di dettagli cesellati con un’innegabile maestria: in End, gli Explosions in the Sky sfoggiano un approccio di sperimentazione molto raffinato, con una miriade di intricati intarsi sonori che impreziosiscono le atmosfere dei sette brani in scaletta. Nei suoi 45 minuti, il disco prosegue il discorso intavolato con The Wilderness, ma a mio parere qui il tutto è più funzionale all’elemento sorpresa che caratterizza certe sezioni dei brani, soprattutto nei momenti di calma e di esplosiva intensità, unendo le caratteristiche sonore tipiche del quartetto texano ad una fresca vena creativa che dopo 20 anni di carriera pare inarrestabile.

“Ten Billion People” apre subito le danze tra glitch ed effetti sonori, e nel suo melodico caos controllato, debitore delle atmosfere di Take Care, Take Care, Take Care del 2011, sembra descrivere le interazioni tra esseri umani in lungo arco di tempo, come se stessimo assistendo ad un documentario sull’umanità stessa. La musica qui è densa e dissemina dolcezza in una coltre di ritmiche concitate, con gli intrecci dei tre chitarristi che evocano un senso di grandezza mentre si librano su una batteria che abbraccia tutto il panorama stereo. Malinconia ariosa e di ampio respiro che lascia spazio alla successiva “Moving On”, il cui riff principale ha il sapore di un certo indie-rock degli anni Duemila, con un pizzico di sonorità che ricordano l’ultimo (bellissimo per chi scrive) disco dei Mogwai del 2021, As The Love Continues. Il brano riesce nell’intento di catturare l’emozione della nostalgia per canalizzarla in una sorta di inno di rinascita: l’accelerazione gioiosa dei colpi al rullante e dei tom sembra quasi simboleggiare il superamento delle difficoltà e la volontà di abbracciare un nuovo inizio, senza timori di sorta. “Loved Ones” prosegue il racconto tra effetti sonori che si stagliano in un ampio spazio riverberato, con un ritmo solenne sostenuto da percussioni imponenti. La dolcezza indotta dal pianoforte e l’interplay con i colpi di batteria, uniti ai consueti effetti elettronici, donano al brano un senso di euforia che cresce gradualmente, un po’ come il timido inizio di un amore, cauto all’inizio, gioioso ed euforico in seguito. “Peace or Quiet” invece è una traccia  dalla duplice natura: l’inizio è caratterizzato da un pacifico riff di chitarra acustica, e la delicatezza del suono delle corde sembra cullare l’anima, con l’assenza delle percussioni a conferire una profonda sensazione di quiete. La dolcezza di questa prima parte richiama alla mente la bellezza eterea di capolavori senza tempo come “Your Hand in Mine”; si tratta però di un preludio all’ardente furore della seconda parte, che giunge dopo quattro minuti di estasi pacifica, donando alle esplosioni sonore delle distorsioni la forza di un’onda maestosa ed inarrestabile, meravigliosa anche all’apice del caos. Per certi versi è il brano un po’ più aderente ai canoni convenzionali dei primi dischi del quartetto, ma è con i successivi due brani, “All Mountains” e “The Fight”, che secondo me End si eleva da “buon disco” a “grandissimo disco”. La prima si distingue per le sue ritmiche complesse e la profonda evocatività che trasmette; l’influenza dei Caspian si fa sentire, sia nei delicati riff di chitarra che nei crescenti pattern di batteria. La musica sembra narrare un’ascensione verso vette inesplorate dell’anima, privilegiando la melodia ed arricchendola con una moltitudine di dettagli sonori; le tastiere si intrecciano armoniosamente con i fraseggi di chitarra, mentre archi vibranti accentuano la sensazione quasi ultraterrena che permea tutto il brano. Il crescendo musicale è contagioso, inebriante, ma è nella parte finale che “All Mountains” rivela tutta la sua simbologia. Quando la chitarra acustica resta da sola a decantare fraseggi nostalgici si crea un momento di profonda introspezione e intimità; è proprio come se qualcosa stesse giungendo alla sua conclusione, lasciando poi spazio ad una mescolanza di euforia e accettazione, rappresentata dagli altri strumenti che ritornano di lì a poco. Il tutto è squisitamente metaforico: a mio avviso simboleggia il raggiungimento della vetta di quella montagna raffigurata in copertina. È un momento in cui la luce avvolge tutto, asciugando le lacrime della fine e permettendo allo sguardo di godere del meraviglioso panorama di un inizio che invero non si credeva possibile. “The Fight” invece presenta distorsioni lontane e suoni che evocano l’atmosfera di un western carico di tensione: il contrasto tra gli effetti delle chitarre ed i sintetizzatori contribuisce a tessere le trame di un’ambientazione quasi steampunk, che sembra provenire dall’universo della Torre Nera di Stephen King. Reminiscenze suggestive e rumorose di certi Godspeed You! Black Emperor descrivono una sorta di combattimento epico e misterioso, con occasionali incursioni in territori più riflessivi: chitarra acustica e tastiera, presenti in sottofondo, dipingono a tratti un quadro sonoro avvolgente, caratterizzato da un’atmosfera ovattata che colora la desolazione di una luccicante bellezza: il ritmo soffuso della cassa, tra l’altro, ricorda il battito di un cuore, saldo e inamovibile. Il successivo fraseggio di chitarra pulita stordisce per via della sua bellezza, che si erge con fermezza sovrastando i lontanissimi riff saturi: è come se l’armonia di queste note preparasse il terreno ad una nuova immersione nella distorsione più caotica, in cui le possenti bordate di batteria e l’accelerazione del ritmo generale contribuiscono a rendere il brano ancora più cinematografico. La composizione si distingue per i suoi momenti di estasi senza tempo e per la fluida alternanza tra delicate melodie e roboanti deflagrazioni, che comunque non minano l’equilibrio di un brano impeccabile, sia negli intenti che nella struttura. Infine, “It’s Never Going To Stop” pone il pianoforte al centro della scena, accompagnato da delicati effetti riverberati in sottofondo e da una soffusa batteria elettronica. È un brano che mette il punto pacificamente all’album, con una dolcezza di fondo che mi ha ricordato il mood dei Nordic Giants: sentimenti di profonda beatitudine e pace sopraggiungono tra le note accelerate del pianoforte, soprattutto nella parte finale. Qui, i riff cristallini della chitarra e le transizioni sfumate aggiungono un tocco di grande effetto, regalando al disco una conclusione, o forse è il caso di dire una “fine”, leggera e piena di ottimismo.

Giunti al termine di questo End, oltre ad aver ascoltato un disco di assoluto livello, si prova un profondo senso di benessere: gli Explosions in the Sky si confermano gli assoluti pionieri di emozioni di sempre, e la loro abilità nella creazione di colonne sonore si riflette nei dettagli di un album costruito con maestria, anch’esso colonna sonora per chiunque si avventurerà nelle sue note, così cariche di amore, di vita e momenti di incontaminata bellezza estatica. La band si appresta a intraprendere un tour in Europa quest’autunno, e purtroppo l’assenza dell’Italia nelle date, dopo un lavoro così bello, fa ancora più male.

When Explosions in the Sky suddenly announced a new album of original material, surprise was soon joined by a slight sense of bewilderment among fans. The choice of End as the title of the seventh record in their discography raised legitimate and understandable fears: it seemed to foreshadow some kind of farewell, a final legacy from one of the most influential and seminal bands in post-rock. Over two decades the Texans have set the standard, inspiring countless emerging bands and helping, along with Sigur Rós, Mogwai and God is an Astronaut, to name a few, to define post-rock as we know it today. True institutions of instrumental music and of the whole range of emotions stirred by manipulating sound, they're also known for their prolific work on soundtracks for films, documentaries and TV series, but End is their first full album since The Wilderness in 2016. And luckily, in this case the title wasn't meant as a final album; as for its meaning, the band members themselves have said that the concept of "ending" deeply influenced the writing of these compositions. The end of a relationship, of a friendship, even of life itself; it doesn't matter which ending in particular, what matters is the ambivalent nature of the ending as a concept, which inevitably opens the door to new beginnings, often not even remotely imagined while we cling (in an entirely human way) to something that has naturally run its course and we don't want to let go of. This conceptual ambiguity is clearly reflected in the structure of the tracks, enriched by a profusion of details chiselled with undeniable mastery: on End, Explosions in the Sky show a very refined experimental approach, with a myriad of intricate sonic inlays embellishing the atmospheres of the seven tracks. Over its 45 minutes, the record continues the discourse begun with The Wilderness, but in my opinion everything here serves the element of surprise that marks certain sections of the songs, especially in moments of calm and of explosive intensity, combining the Texan quartet's typical sound with a fresh creative streak that, after 20 years, seems unstoppable.

"Ten Billion People" opens proceedings straight away amid glitches and sound effects, and in its melodic, controlled chaos, indebted to the atmospheres of 2011's Take Care, Take Care, Take Care, it seems to describe human interactions over a long span of time, as if we were watching a documentary about humanity itself. The music here is dense and scatters sweetness across a blanket of frantic rhythms, with the interweaving of the three guitarists evoking a sense of grandeur as they soar over drums that fill the whole stereo field. An airy, broad melancholy that makes way for the following "Moving On", whose main riff has the flavour of a certain 2000s indie-rock, with a hint of sounds reminiscent of Mogwai's latest (and, for me, beautiful) record from 2021, As The Love Continues. The track succeeds in capturing the emotion of nostalgia and channelling it into a sort of hymn to rebirth: the joyful acceleration of the snare and tom hits almost seems to symbolise overcoming hardship and the will to embrace a new beginning without any fear. "Loved Ones" continues the story with sound effects standing out in a wide reverberant space, with a solemn rhythm supported by imposing percussion. The sweetness brought by the piano and its interplay with the drums, together with the usual electronic effects, give the track a gradually growing sense of euphoria, a bit like the shy start of a love affair, cautious at first, then joyful and euphoric. "Peace or Quiet", on the other hand, is a track with a double nature: the opening features a peaceful acoustic guitar riff, and the delicacy of the strings seems to cradle the soul, with the absence of percussion giving a deep sense of quiet. The sweetness of this first part recalls the ethereal beauty of timeless masterpieces like "Your Hand in Mine"; it's only a prelude, though, to the burning fury of the second part, which arrives after four minutes of peaceful ecstasy, giving the sonic explosions of distortion the force of a majestic, unstoppable wave, wonderful even at the height of chaos. In some ways it's the track that sticks most closely to the conventions of the quartet's early records, but it's with the next two tracks, "All Mountains" and "The Fight", that in my opinion End rises from "good record" to "great record". The former stands out for its complex rhythms and the deep evocativeness it conveys; the influence of Caspian can be felt, both in the delicate guitar riffs and in the growing drum patterns. The music seems to narrate an ascent towards unexplored peaks of the soul, favouring melody and enriching it with a multitude of sonic details; keyboards intertwine harmoniously with guitar phrases, while vibrant strings accentuate the almost otherworldly feeling that permeates the whole track. The musical crescendo is infectious, intoxicating, but it's in the final part that "All Mountains" reveals its full symbolism. When the acoustic guitar is left alone to sing nostalgic phrases, a moment of deep introspection and intimacy is created; it's just as if something were coming to an end, then making way for a mix of euphoria and acceptance, represented by the other instruments returning shortly afterwards. It's all exquisitely metaphorical: to me it symbolises reaching the summit of the mountain shown on the cover. It's a moment when light envelops everything, drying the tears of the ending and letting your gaze enjoy the wonderful view of a beginning you truly didn't think possible. "The Fight", instead, features distant distortion and sounds evoking the atmosphere of a tension-filled western: the contrast between guitar effects and synths helps weave an almost steampunk setting that seems to come from Stephen King's Dark Tower universe. Evocative, noisy echoes of certain Godspeed You! Black Emperor describe a kind of epic, mysterious battle, with occasional forays into more reflective territory: acoustic guitar and keyboard in the background at times paint an enveloping sonic picture, with a muffled atmosphere that colours desolation with a glittering beauty: the soft rhythm of the kick drum, by the way, recalls a heartbeat, steady and immovable. The clean guitar phrase that follows is stunning in its beauty, rising firmly above the very distant saturated riffs: it's as if the harmony of these notes were preparing the ground for a new plunge into the most chaotic distortion, where powerful drum broadsides and the acceleration of the overall rhythm make the track even more cinematic. The composition stands out for its moments of timeless ecstasy and the fluid alternation between delicate melodies and booming detonations, which never undermine the balance of a flawless track, both in intent and structure. Finally, "It's Never Going To Stop" places the piano at the centre, accompanied by delicate reverb-laden effects in the background and soft electronic drums. It's a track that closes the album peacefully, with an underlying sweetness that reminded me of the mood of Nordic Giants: feelings of deep bliss and peace arrive among the quickening piano notes, especially in the final part. Here the crystalline guitar riffs and faded transitions add a very effective touch, giving the record a light, optimistic conclusion, or perhaps we should say an "end".

At the close of End, besides having heard a top-quality record, you feel a deep sense of wellbeing: Explosions in the Sky confirm themselves as the absolute pioneers of emotion they've always been, and their skill at writing soundtracks is reflected in the details of a masterfully built album, itself a soundtrack for anyone who ventures into its notes, so full of love, life and moments of untouched, ecstatic beauty. The band is about to tour Europe this autumn, and sadly Italy's absence from the dates, after such a beautiful work, hurts all the more.