Love in the Void

Love in the Void è l’attesissimo dodicesimo album degli Hammock, duo musicale costituito da Marc Byrd e Andrew Thompson. In 17 anni di onorata carriera i due hano saputo plasmare un sound unico e riconoscibile; potremmo definirlo post-rock o ambient, ma si tratterebbe di un mero eufemismo che non renderebbe minimamente giustizia all’indubbia bellezza dei sublimi viaggi sonori a cui ci hanno abituato i Nostri. L’ascolto dei loro album traghetta la mente verso una sensazione di pace interiore e di introspezione magnetica, una sorta di balsamo di serenità fuori dal tempo, vera e propria mano santa per questi tempi tumultuosi e caotici. Questo tipo di incantesimo sonoro è possibile solo quando la musica è composta da anime sensibili e talentuose; le esperienze di vita di Marc e Andrew, anche quelle negative, hanno certamente contribuito a forgiare la loro bravura e a rendere i loro dischi degli autentici capolavori in cui è meraviglioso perdersi.

Nelle loro opere più recenti, gli Hammock avevano leggermente trascurato la presenza di batteria e percussioni, preferendo territori più dilatati e atmosferici e privilegiando maggiormente il lato ambient della loro proposta: la splendida trilogia di Mysterium, Universalis e Silencia si focalizzava sull’elaborazione di un lutto importante (il nipote ventenne di Byrd) con trame minimali; il più recente Elsewhere dipingeva scenari rarefatti di solitudine e introspezione post-pandemica. Love in the Void, d’altro canto, prometteva di ritornare ad un sound più fisico e tangibile, con una maggiore importanza data a chitarre, basso e batteria, tornando ad esprimersi perciò con sonorità più tipiche del post-rock, sulla falsa riga di altri album giganteschi della loro discografia; per citarne un paio, Departure Songs del 2012 o Everything and Nothing del 2016.

L’annuncio del disco e la pubblicazione dei primi singoli avevano già scatenato un’ondata di entusiasmo tra gli appassionati, e l’ascolto completo del lavoro ha confermato appieno le già altissime aspettative. Gli Hammock hanno superato le loro già elevate abilità, creando un’opera che è un tributo alla loro maestria sonora e all’evoluzione del loro sound: Love In the Void rappresenta metaforicamente una sorta di liberazione dell’energia trattenuta che, al posto di cedere e lasciare spazio alla tristezza, fiorisce in una melodia euforica, brillante e piena di vita. È un album che ribolle di una passione ardente, risvegliato dal bisogno di liberarsi dalle frustrazioni e dai rimpianti. Le composizioni risuonano del profondo desiderio di guardare al futuro con coscienza, vivendo appieno il presente e apprezzando i legami significativi che danno valore alla vita. Con 13 tracce per un’ora e 12 minuti di durata, l’album scorre come un fiume in piena, trasmettendo vibrazioni meravigliose che imprimono un solco duraturo nell’anima. Love in the Void è stato registrato a Nashville e co-prodotto con l’ingegnere nominato ai Grammy Chad Howat. L’album vede la presenza di Christine Byrd (Lumenette) e della sua voce eterea, oltre alla collaborazione di Matt Kidd (Slow Meadow) per gli arrangiamenti degli archi, di Ellen Story per violino e viola e di Jake Finch per ciò che riguarda la batteria. Relativamente al concept alla base dell’opera, Byrd ha detto: “La vita a volte può sembrare vuota, ma ci sono quei momenti in cui tutto sembra attraversato da una bellezza ineffabile… del tipo che ti toglie il respiro o ti lascia con un groppo in gola. Invece di vedere il vuoto come una cosa negativa, può rappresentare il punto di ingresso per l’amore. Forse se tutti potessimo riconoscere il nostro vuoto interiore, potremmo imparare a essere più vulnerabili l’uno con l’altro. Per amarci l’un l’altro in modo migliore, e fare dell’amore un verbo. Quando scegliamo di amare nel vuoto, ci scegliamo l’un l’altro.” Il duo ha descritto il disco come “il loro album più rumoroso ad oggi”: sebbene la pasta sonora sia innegabilmente Hammock, ci troviamo davanti ad un’opera eccellente in cui brillano chitarre shoegaze, con moltissimi crescendo di matrice post-rock ed una batteria molto presente e importante in termini di composizione. In questo nuovo album, il loro dodicesimo, il duo ha saputo mantenere intatta quella sensazione di magniloquenza orchestrale che li contraddistingue, pur esplorando una forma più classica e convenzionale della canzone; il risultato è un’opera di rara bellezza, in cui il post-rock strumentale, l’ambient e la neoclassica si fondono armoniosamente creando un suono unico ed ipnotico. La batteria enfatica e le chitarre assumono un ruolo di primo piano, donando al disco una forza e una fisicità notevoli; la fluidità delle tracce e la loro capacità di restare impresse nella mente creano un’esperienza musicale intensa e coinvolgente, che abbraccia al contempo audacia e vulnerabilità.

La traccia d’apertura, “Procession”, è un elegante brano introduttivo che richiama le terre sonore ghiacciate e fuori dal tempo di () dei Sigur Rós. L’atmosfera onirica e sospesa rappresenta un invito a scoprire il mondo sonoro che segue, e ci prepara all’emozionante viaggio musicale che ci aspetta. È però con “Love in the Void” e la sua incantevole eleganza che ha inizio l’esperienza musicale vera e propria; è tra i delicati colpi di soffusa e raffinata batteria ambient, su cui una chitarra dolcemente plasmata intreccia trame nostalgiche, che ha inizio la vera magia. Con il progredire del brano, si ha un aumento di intensità, grazie al fraseggio riverberato della chitarra che si fa sempre più incisivo e pungente, elevando la composizione verso un culmine che esplode in un’esplosione gioiosa; l’anima vibra con colori e raggi di luce che abbracciano il vuoto, illuminando ogni pensiero e lasciandosi dietro una scia di pace e serenità, come se fossimo stati avvolti da un abbraccio caldo e protettivo. “UnTruth” è una simbiosi perfetta tra i generi ambient e shoegaze indie. La traccia è caratterizzata da chitarre acustiche che pennellano ritmiche leggere, voci che fluttuano in riverberi rilassanti e melodie calde e luminose che scaldano l’anima; il tutto costituisce un’introduzione azzeccata alle malinconiche emozioni che verranno evocate dalla canzone successiva, “It’s OK To Be Afraid of the Universe”. Gli Hammock sanno come giocare con le emozioni dell’ascoltatore, e qui costruiscono una sensazione di enorme nostalgia che tuttavia trasuda determinazione e ottimismo. In questo brano, la maestria compositiva degli americani riesce ad evocare uno scenario che riempie il cuore di una sensazione di calore e consapevolezza, permettendoci di afferrare con mano ciò che vorremmo per il nostro futuro: l’ascolto ci conduce in un viaggio fantastico, tra vasti orizzonti e paesaggi da sogno. È come se potessimo spiccare il volo e solcare i cieli, senza confini e limiti, per raggiungere l’essenza più profonda dell’universo. Le nostre anime si fondono con l’infinito e la pace interiore diventa una realtà tangibile. Senza arrenderci, continuiamo ad avanzare con lo sguardo rivolto al futuro e con la consapevolezza che ogni esperienza è un dono prezioso. In questo viaggio senza fine, scopriamo la vera essenza della vita e la gioia di esistere. Questa gioia è sapientemente tratteggiata in “Release”, che riassume al meglio la tradizione del post-rock in salsa Hammock: il brano, che cresce di intensità come uno tsunami di emozioni, trascina l’ascoltatore in un’esperienza euforica e rigenerante. La batteria martella con forza, consentendo alla chitarra di intrecciare una melodia incantevole, e mentre la musica scorre, la mente è invasa da immagini che rievocano ricordi, sogni e speranze disseminate tra gli spiragli di un ritmo pulsante e pieno di vita. Quando improvvisamente la musica si interrompe, ci si ritrova con il fiato sospeso e con un senso di vuoto che è difficile da descrivere a parole: è come se la musica ci avesse invitato ad immergerci nell’oceano delle nostre emozioni, per poi lasciarci navigare da soli in questa vastità. Eppure, in questo silenzio apparentemente vuoto, ritroviamo una tranquillità interiore e una forte sensazione di pace e sicurezza. La successiva “Gods Becoming Memories”, dal titolo assai affascinante, cattura l’ascoltatore con la sua atmosfera malinconica e profondamente evocativa. Gli echi dei Sigur Rós di () sono evidenti anche qui, e le sensazioni simili a quelle della prima traccia “Procession” creano un’unità narrativa all’interno dell’album. La delicatezza della melodia e della strumentazione musicale rende “Gods Becoming Memories” un momento di profonda introspezione e riflessione all’interno del disco; la chitarra distorta e i colpi della batteria a metà brano creano un’atmosfera intensa e potente, con un ritmo essenziale che conferisce alla traccia una sensazione di solennità. Questo contrasto tra la potenza della chitarra e la semplicità del ritmo della batteria emoziona profondamente, per poi sfociare in delicate ed azzeccate note di pianoforte poste in chiusura. Brani come “I Would Stare into the Sun with You Forever” e “Absorbed in Light” ci incoraggiano a prendere una pausa, guardare oltre la naturale superficie delle cose e scoprire a fondo il mondo che ci circonda. La luce è ovunque, anche se spesso la diamo per scontata. Questi brani ci invitano ad osservare, sperimentare e apprezzare la bellezza nascosta che si trova in ogni momento della nostra vita, e ad immergerci nella suddetta luce. Anche “Undoing” si muove sugli stessi binari: la voce effettata e riverberata guida un brano che presenta una struttura più pop, ma che non manca di tenere alto l’interesse con sezioni gioiose e un suono moderno. La rassicurante presenza dei cori e l’utilizzo di un delay dalle tante ripetizioni sulle voci conferiscono un tocco quasi primordiale ed alieno alla melodia principale. In questo modo il brano riesce ad essere sì familiare, ma anche a stupire. In “Will We Ever Be Ourselves Again”, gli Hammock esplorano il tema dell’autenticità e della riconnessione con se stessi. La composizione evoca un’atmosfera malinconica e cinematografica grazie all’effetto combinato delle percussioni lente, della melodia della chitarra e degli archi, che la enfatizzano ulteriormente. Il brano esprime un forte senso di emozione che tocca la profondità dell’anima, facendoci interrogare sulla nostra capacità di superare le difficoltà della vita riscoprendo veramente la nostra autenticità interiore. La musica scorre con la delicatezza della rugiada in una fredda ma soleggiata mattina invernale, creando un’armonia e una fluidità che sono avvertibili in ogni nota. Tutti gli elementi musicali – dalle percussioni lente e sagge alle linee melodiche della chitarra, dai cori agli archi – lavorano insieme per creare un’esperienza di estatica bellezza. “Denial of Endings” e “The End Is the Beginning” conducono l’album verso una conclusione pacifica. La prima ci trasporta in un mondo sonoro caratterizzato da delicate atmosfere ambient, con un’armoniosa fusione di voci maschili e femminili che richiamano lo stile shoegaze, evocando al contempo l’essenza eterea dei Slowdive e la dolcezza soffusa dei Beach House. Con la sua combinazione di riverberi accoglienti e tonalità morbide, questo brano ci invita a fluttuare in un’oasi di pace e beatitudine. La seconda traccia, invece, trasmette una forte sensazione di compimento e soddisfazione, grazie alla serenità che traspare dalla ogni nota di chitarra e alla pace immacolata che regna sovrana nella melodia.

In conclusione, gli Hammock con Love in the Void hanno superato ogni aspettativa e ci hanno regalato un’esperienza musicale stupenda. Il loro sound distintivo non ha subito grosse evoluzioni di sorta, anche perché di fatto tornare ad abbracciare sonorità di un altro periodo della propria carriera non è propriamente una forma di evoluzione. Eppure in questo caso è così, perché gli americani hanno perfezionato una loro sfumatura sonora, avvicinandosi alla perfezione e confermando di saper scrivere dischi perfettamente a fuoco, implacabili nell’insinuarsi con dolcezza nel cuore di chi ha avuto la fortuna di ascoltarli. In questo lavoro si sente forte la loro ricerca della luce e della positività, con brani che ci incoraggiano ad apprezzare e sperimentare le sfumature di ciò che diamo per scontato. Il disco è un’esplosione di emozioni, che scorrono con delicatezza e un perfetto senso di coesione; nonostante la sua durata impegnativa, non ci si stanca davvero mai di ascoltarlo. Love in the Void entra in pianta stabile tra i migliori lavori mai realizzati dagli Hammock: si tratta di un’opera d’arte imprescindibile ed avvolgente che lascia completamente estasiati.

Love in the Void is the long-awaited twelfth album by Hammock, the duo of Marc Byrd and Andrew Thompson. Over 17 years of distinguished career the pair have shaped a unique, recognisable sound; we could call it post-rock or ambient, but that would be a mere euphemism that wouldn't do the slightest justice to the undoubted beauty of the sublime sonic journeys they've accustomed us to. Listening to their albums carries the mind towards a feeling of inner peace and magnetic introspection, a sort of timeless balm of serenity, a real godsend in these tumultuous, chaotic times. This kind of sonic spell is only possible when music is composed by sensitive, talented souls; Marc and Andrew's life experiences, including the negative ones, have certainly helped forge their skill and make their records genuine masterpieces in which it's wonderful to lose yourself.

On their more recent works, Hammock had slightly set aside drums and percussion, preferring more stretched-out, atmospheric territory and favouring the ambient side of their music: the splendid trilogy of Mysterium, Universalis and Silencia focused on working through a major loss (Byrd's twenty-year-old nephew) with minimal textures; the more recent Elsewhere painted rarefied scenes of post-pandemic solitude and introspection. Love in the Void, on the other hand, promised a return to a more physical, tangible sound, with greater importance given to guitars, bass and drums, and thus to expressing themselves with sounds more typical of post-rock, along the lines of other giant albums in their discography; to name a couple, 2012's Departure Songs or 2016's Everything and Nothing.

The announcement of the record and the release of the first singles had already set off a wave of enthusiasm among fans, and listening to the full work fully confirmed already sky-high expectations. Hammock have surpassed their already considerable skills, creating a work that is a tribute to their sonic mastery and to the evolution of their sound: metaphorically, Love In the Void represents a sort of release of pent-up energy that, instead of giving in and making room for sadness, blossoms into a euphoric, brilliant melody full of life. It's an album that seethes with burning passion, awakened by the need to break free of frustration and regret. The compositions resonate with a deep desire to look to the future with awareness, living the present fully and cherishing the meaningful bonds that give life its value. With 13 tracks and a running time of an hour and 12 minutes, the album flows like a river in flood, conveying wonderful vibrations that leave a lasting groove in the soul. Love in the Void was recorded in Nashville and co-produced with Grammy-nominated engineer Chad Howat. The album features Christine Byrd (Lumenette) and her ethereal voice, along with Matt Kidd (Slow Meadow) on string arrangements, Ellen Story on violin and viola and Jake Finch on drums. About the concept behind the work, Byrd explained that life can sometimes feel empty, yet there are moments when everything seems shot through with an ineffable, breathtaking beauty; rather than seeing the void as something negative, it can be the very point through which love enters, and if we could all recognise our own inner emptiness we might learn to be more vulnerable with one another, to love each other better and make love a verb – choosing to love in the void means choosing each other. The duo described the record as their loudest album to date: although the sonic substance is unmistakably Hammock, this is an excellent work in which shoegaze guitars shine, with plenty of post-rock-style crescendos and drums that are very present and important in the writing. On this new album, their twelfth, the duo have kept intact the sense of orchestral grandeur that defines them while exploring a more classic, conventional song form; the result is a work of rare beauty in which instrumental post-rock, ambient and neoclassical music blend harmoniously into a unique, hypnotic sound. The emphatic drums and guitars take centre stage, giving the record remarkable strength and physicality; the fluidity of the tracks and their ability to stick in your mind create an intense, engaging musical experience that embraces both boldness and vulnerability.

The opening track, "Procession", is an elegant introduction recalling the frozen, timeless sonic lands of Sigur Rós' (). The dreamlike, suspended atmosphere is an invitation to discover the sonic world that follows, preparing us for the thrilling musical journey ahead. But it's with "Love in the Void" and its enchanting elegance that the real musical experience begins; the true magic starts among the delicate hits of soft, refined ambient drums, over which a gently shaped guitar weaves nostalgic textures. As the track progresses the intensity rises, thanks to the reverb-drenched guitar phrase growing ever sharper and more piercing, lifting the composition towards a peak that bursts into a joyful explosion; the soul vibrates with colours and beams of light embracing the void, illuminating every thought and leaving behind a trail of peace and serenity, as if we'd been wrapped in a warm, protective embrace. "UnTruth" is a perfect symbiosis of ambient and indie shoegaze. The track features acoustic guitars brushing light rhythms, voices floating in relaxing reverb and warm, bright melodies that warm the soul; all of it makes a fitting introduction to the melancholic emotions evoked by the next song, "It's OK To Be Afraid of the Universe". Hammock know how to play with the listener's emotions, and here they build a feeling of enormous nostalgia that nonetheless exudes determination and optimism. In this track the Americans' compositional mastery evokes a scene that fills the heart with warmth and awareness, letting us grasp what we'd like for our future: the listen leads us on a fantastic journey across vast horizons and dreamlike landscapes. It's as if we could take flight and sail the skies without borders or limits, reaching the deepest essence of the universe. Our souls merge with the infinite and inner peace becomes a tangible reality. Without giving up, we keep moving forward with our gaze on the future and the awareness that every experience is a precious gift. On this endless journey, we discover the true essence of life and the joy of existing. This joy is skilfully sketched in "Release", which best sums up the post-rock tradition, Hammock-style: the track, growing in intensity like a tsunami of emotion, drags the listener into a euphoric, regenerating experience. The drums pound hard, letting the guitar weave an enchanting melody, and as the music flows the mind is flooded with images recalling memories, dreams and hopes scattered through the gaps of a pulsing rhythm full of life. When the music suddenly stops, you're left holding your breath with a sense of emptiness that's hard to put into words: it's as if the music had invited us to dive into the ocean of our emotions and then left us to sail this vastness alone. And yet, in this seemingly empty silence, we find an inner calm and a strong sense of peace and safety. The following "Gods Becoming Memories", with its very fascinating title, captures the listener with its melancholic, deeply evocative atmosphere. Echoes of Sigur Rós' () are evident here too, and feelings similar to those of the opening "Procession" create a narrative unity within the album. The delicacy of the melody and instrumentation makes "Gods Becoming Memories" a moment of deep introspection and reflection within the record; the distorted guitar and the drum hits midway create an intense, powerful atmosphere, with an essential rhythm that gives the track a sense of solemnity. This contrast between the power of the guitar and the simplicity of the drum rhythm is deeply moving, before flowing into delicate, well-judged piano notes at the close. Tracks like "I Would Stare into the Sun with You Forever" and "Absorbed in Light" encourage us to take a pause, look beyond the natural surface of things and truly discover the world around us. Light is everywhere, even if we often take it for granted. These tracks invite us to observe, experience and appreciate the hidden beauty found in every moment of our lives, and to immerse ourselves in that light. "Undoing" runs on the same tracks: the processed, reverb-drenched voice leads a track with a more pop structure, which still keeps interest high with joyful sections and a modern sound. The reassuring presence of the backing vocals and the use of a many-repeat delay on the voices give the main melody an almost primordial, alien touch. In this way the track manages to be familiar yet still surprising. In "Will We Ever Be Ourselves Again", Hammock explore the theme of authenticity and reconnecting with yourself. The composition evokes a melancholic, cinematic atmosphere through the combined effect of slow percussion, the guitar melody and the strings that emphasise it further. The track expresses a strong sense of emotion that touches the depths of the soul, making us question our ability to overcome life's hardships by truly rediscovering our inner authenticity. The music flows with the delicacy of dew on a cold but sunny winter morning, creating a harmony and fluidity you can feel in every note. All the musical elements – from the slow, wise percussion to the guitar's melodic lines, from the choirs to the strings – work together to create an experience of ecstatic beauty. "Denial of Endings" and "The End Is the Beginning" lead the album to a peaceful conclusion. The former carries us into a sonic world of delicate ambient atmospheres, with a harmonious blend of male and female voices recalling the shoegaze style, evoking both the ethereal essence of Slowdive and the soft sweetness of Beach House. With its combination of welcoming reverbs and soft tones, this track invites us to float in an oasis of peace and bliss. The latter, instead, conveys a strong sense of fulfilment and satisfaction, thanks to the serenity shining through every guitar note and the pristine peace that reigns supreme in the melody.

In conclusion, with Love in the Void Hammock have surpassed every expectation and given us a stunning musical experience. Their distinctive sound hasn't undergone any major evolution, partly because returning to the sounds of another period of your career isn't exactly a form of evolution. And yet in this case it is, because the Americans have perfected one particular shade of their sound, coming close to perfection and confirming that they know how to write perfectly focused records, relentless in slipping gently into the hearts of those lucky enough to hear them. In this work you can strongly feel their search for light and positivity, with tracks that encourage us to appreciate and experience the nuances of what we take for granted. The record is an explosion of emotions flowing with delicacy and a perfect sense of cohesion; despite its demanding length, you truly never tire of listening to it. Love in the Void takes a permanent place among the best works Hammock have ever made: an essential, enveloping work of art that leaves you completely enraptured.